O leitor conseguirá imaginar o meu choque ao ver sangue pixelizado espalhado pela imagem, enquanto sou perseguido por uma vara de mortos-vivos, sem ter noções básicas de sobrevivência.

Em suma, Resident Evil abalou o meu mundo, mas acabou por ter o mérito de acelerar o meu processo de maturação, pelo menos no que aos videojogos diz respeito…

Já na era 128bits, redescobri o medo com Resident Evil: Code Veronica. O título resumia de maneira perfeita o ambiente sentido em todos os episódios anteriores da série, para além de subir consideravelmente o padrão ético da época. Se no desanimador RE3, o jogador experimentava todo o gore num mundo 3D, pouco associável á fabulação com zombies fora do ecrã, Code Veronica tirou partido do poderoso motor da Dreamcast para tornar tudo mais credível, e consequentemente, mais assustador. Contudo, mesmo depois de testar o Messias do género, Silent Hill 2, ainda não estava totalmente convencido pelos survival horrors. Grande parte dos títulos enquadrados no género partia de uma premissa inicial muito previsível e redundante até certo ponto: uma experiência efémera de dez ou quinze horas, elementos de jogabilidade clássicos e extremamente conservadores no caso das obras da Capcom, adicionava-se meia chávena de momentos de terror ocasional mas glorioso, e tinha-mos uma aventura pronta a consumir.

Com a possível excepção do ultra descriminado Deep Fear para a defunta Sega Saturn, as grandes propostas vinham dos estúdios da Konami e Capcom. As duas gigantes nipónicas geriam o monopólio do terror digital, gerando uma rivalidade saudável e despropositada entre Resident Evil e Silent Hill. O leitor reconhecerá a minha tentativa em sublinhar as palavras e considerações com um toque de racionalidade, mas recorrendo a uma análise emocional e descaradamente uni partidária, visto, com orgulho, a camisola de Resident Evil (ou Biohazard, como é reconhecido no Japão).

Se Silent Hill, da Konami, assenta bases, seguras e envolventes, num ambiente de claustrofobia e constante pavor, a série da Capcom sempre foi condensada em sustos mais popcorn, inteligentemente importados do cinema norte-americano. Se nunca desfrutou de nenhum título da saga, imagine o recorrente recurso a sustos primários mas eficientes, como o ataque inesperado de zombies caninos (!), ou a mudança repentina da camera, acompanhada de um trovejar sinistro.

Estilos á parte, a Nintendo acabou por ser a grande prejudicada. Durante o curto círculo de vida da Nintendo 64, apenas uma adaptação de Resident Evil 2 (originalmente na Playstation), com méritos discutíveis, viu a luz do dia. Os dinossauros do meio, diriam que a empresa de Quioto não apostou no desenvolvimento interno de survival horrors, por pura opção estratégica, leia-se desinteresse em relação ao público-alvo. Mas foi em 2002, já com a simpática GameCube no mercado, que a Nintendo uniu esforços com a canadiana Silicon Knights, para a realização do projecto Eternal Darkness (que ironicamente, tinha sido pensado para a N64). Curiosidade tragicómica, tinha adquirido um cubo púrpura por altura do lançamento europeu da obra.

Com o disco na máquina, concentro todas as minhas atenções no ecrã, tendo propositado o tremor que iria sentir. Mas não. Eternal Darkness não propõe sustos baratos ou nevoeiro banal para cativar o jogador. A cuidada apresentação do título é iniciada com um excerto belíssimo da obra de Edgar Allan Poe, a saber:

Deep into that Darkness peering,

Long I stood there,

Wondering…

Fearing…

Doubting…

Uma referência literária muito apropriada, inteligente e também rara nos videojogos.

O prelúdio era perfeito e motivador para continuar. Na abertura, há uma introdução enigmática á história, resumida na apresentação das duas personagens centrais da trama. Alexandra Roivas, estudante universitária, é chamada a uma mansão de Rhode Island, onde descobre que o seu avô, Edward Roivas, foi vítima de um brutal homicídio.

Após cinco minutos a vaguear pela casa com Alex, senti-me completamente tomado por uma avalancha de fina qualidade artística, em todos os parâmetros. A selecção de cores, a sonoplastia ambiente excepcional e os pequenos detalhes, agarram o jogador ao comando com uma personalidade ímpar. Nesse departamento, apresento a minha admiração vergonhosamente atrasada, por Denis Dyack, designer dos quadros da Silicon Knights, que imaginou Eternal Darkness.

Com a esperança de ter levantado alguma curiosidade ao leitor, não vou estender muito mais o comentário á plot da obra, mas considero justo o apoio em algumas personagens de relevo, presentes no elenco.

Em determinado ponto, Alex descobre um livro com características sobrenaturais, que permite ao jogador uma aventura episódica no passado. Eternal Darkness acaba por ser um honrado representante da história da Humanidade, listando um total de treze indivíduos em espaços temporais fragmentados. Desde um centurião romano, um nobre persa, um monge franciscano, um artista renascentista e uma arqueóloga actual, o jogo propõe uma exploração transcendental e um ambiente nas diferentes épocas. A genialidade conceptual de Eternal Darkness está no verdadeiro terror psicológico que provoca, com um sentido de elegância e subtileza distantes de qualquer outra experiência, nos videojogos ou em qualquer outra forma de entretenimento.

Tendo em atenção que todos os contos periódicos, ligam-se entre si através de um fio condutor entre todas as personagens, a morte de Edward Roivas, são esses mesmos elementos de ligação que sugerem medo, carregadamente psicológico, ao jogador. Imagine passear pela mansão, ou outra localização no jogo, vendo a mesma vegetação, parede ou amuleto no século XIII, e de seguida no presente.

Foi também implementada uma mecânica que faz a gestão da insanidade da personagem. Não raras vezes, o jogador ouve gritos indiscriminados, literalmente vindos do nada, acompanhados por um uma imagem azulada, dando a ideia, credível, que há algum problema com o televisor, ou apresentando o modelo da personagem sem cabeça, a esvair-se em sangue. São momentos indescritíveis em palavras e, o leitor perdoará o chavão, impróprio para cardíacos.

É logicamente impossível dissecar as camadas de um sentimento humano tão complexo, como o medo. Eternal Darkness tenta uma abordagem discreta, pormenorizada, sem qualquer referência passada, no catálogo do género.

Eternal Darkness é uma obra inspirada de um grupo de génios visionários. Numa industria em que o mérito é muitas vezes dividido por equipas que alcançam feitos medianos com orçamentos inflamados, parece-me importante realçar o trabalho da Silicon Knights, que ofereceu aos jogadores um verdadeiro diamante, embora permaneça na sombra de rochas banais e sobrevalorizas.

No entanto, a Nintendo e a Silicon Knights devem ao público uma segunda oportunidade. Sim, rogo por uma possível versão de Eternal Darkness para a Wii. Não por mim, mas por todos os hereges que se desviaram da obra.

Recentemente, li comentários de jogadores alemães em fóruns de discussão, profundamente revoltados com a política de importação e distribuição de videojogos por parte dos responsáveis do seu país natal. Por mais estranho que possa parecer, identifiquei-me imediatamente com os meus colegas de vício.

Na Alemanha existe uma censura implacável em relação a videojogos e material lúdico com elevado nível de violência gráfica. Sem querer fazer uma análise no reino da sociologia, a expressão ironia mórbida parece adjectivar bem esta atitude de um povo com uma história recente pintada a cor de sangue.

Os consumidores da restante Europa ocidental não conhecem esta realidade germânica, tendo todos os títulos identificados como banhos de sangue não recomendados a crianças e frequentemente apelidados de ninhos de psicopatas, disponíveis no mercado sem qualquer género de limitações. Concluo que nós, portugueses, continuamos a não saber dar valor á uma liberdade artística e cultural. O mesmo acontece com os videojogos.

Sou honesto, nunca gostei, nem gosto da série GTA. Talvez por me considerar um neo-conservador no meio, o meu conceito de diversão digital baseia-se fortemente no trabalho visionário de mestres como Yuji Naka, Miyamoto e Kojima no passado, ou em Suda, Mikami ou Sakaguchi mais recentemente. Pertenço portanto ao grupo de liberais desavergonhados que honram as obras nipónicas com nostalgia, mas abraçam sem contemplações novos padrões da indústria como a Wii. O leitor pode então assumir que a minha veia oriental me impede de desfrutar parte maioritária do gozo de GTA.

A ideia de espancar um peão no jogo só porque o botão de acção se propõe a isso, representa a definição literal de sentimento antagónico, pelo menos no meu dicionário.  O desinteresse é tanto que prefiro ganhar horas num qualquer beat’em’up banal do que gastar esse mesmo tempo em Liberty City. E não, caro leitor, não me juntei ao rebanho, não comprei GTA IV.

Muitos dos meus amigos mais chegados, teólogos no factor Grand Theft Auto, insistem que eu iria gostar da história da série. Sem recurso a qualquer figura de estilo, não me parece. A verdade é que nasci para os videojogos com uma ideologia muito racional e liberal, portanto assento ideias no velho chavão, gostos não se discutem.

A máquina de promoção por trás de qualquer lançamento de um título assumido e propositadamente polémico e controverso como GTA IV tem forçosamente que enfrentar odes de vozes contra o seu produto. É normal e relativamente pacifico que um determinado factor da sociedade se impinja contra algo que vai contra os seus valores pessoas e comunitários, se vivemos em democracia, que façamos uso dela. Aliás, nas ultimas semanas os debatas televisivos e radiofónicos têm tido grande repercussão principalmente no outro lado do atlântico, onde nomes como (o cliente do costume) Jack Thompson, Hilary Clinton e até pregador da moda Barack Obama, lançam considerações acerca do jogo e da sua influência nos jovens.

Não foram precisas noites sem dormir para chegar á conclusão óbvia e exclusiva neste caso: Grand Theft Auto IV causou uma válida e provavelmente desnecessária hiperbolização do assunto.

Voltemos aos debates sobre o tema. Normalmente, opõem uma mãe de família escandalizada e facilmente impressionável ou um jornalista da velha guarda preocupado com a diabolização da juventude, a um representante da imprensa especializada em videojogos. Muitas das vezes, as conversas acabam com uma pergunta pouco inocente da parte do jornalista. “Já jogou GTA?”. Invariavelmente, a resposta é negativa.

É quase ridículo ver alguém assumir firmemente uma posição sobre o que quer que seja, sem qualquer fundamento prático da matéria. No que toca aos videojogos, essa ignorância técnica é sempre transparente em qualquer interlocutor presunçoso.

Mas, sublinhando a minha abertura democrática, proponho analisar as acusações dos queixosos. Centrando a controvérsia na violência, pergunto-me qual será o papel das indústrias de entretenimento com mais história para contar nesta bola de neve? Sem grandes engodos acuso frontalmente as grandes companhias discográficas e os barões silenciosos de Hollywood de hipocrisia e concorrência desleal. A indústria cinematográfica começa a viver um período decadente, desinteressante e de constante apoio nos videojogos. É a real personificação de uma sanguessuga, fazendo milhões às custas de produções baseadas em histórias digitais. Infelizmente para muitos semi-cinéfilos popcorn, nem sequer os projectos inversos, videojogos com base em filmes de estúdios com maior sensibilidade do mercado e do seu publico alvo, têm tido sucesso relevante na qualidade do produto e nas vendas (salvo raríssimas mas notáveis excepções). Os fantasmas á frente das editoras musicais não reagem ao fenómeno cultural dos videojogos nem têm voz activa na discussão supracitada. Preferem aconchegar-se numa máscara deplorável também conhecida por música pop mainstream, lucrando com sucessos efémeros.

Curiosamente, os camaradas activistas anti-violência nos videojogos e por vezes como consequência anti-videojogos no geral, preferem esquecer que o consumo de violência por parte de menores é frequentemente maior nas indústrias que referi. Não tenho formação nem conhecimentos apoiados na área da psicologia, mas parece-me evidente que em certos casos pode ser difícil para uma criança de sete anos distinguir o real do virtual e confundir valores. Mas se ao jogar GTA IV, o menor está pelo menos a divertir-se de forma razoavelmente inofensiva, o que sentirá o jovem a ouvir um tema rap extremamente ofensivo e muitas vezes, esse sim, catalizador de acções moralmente discutíveis? Porque será que um pai nega ao filho o acesso a videojogos do género, mas convida a cria para uma sessão caseira de Rambo? Parece que de repente, assassinar alguém numa letra musical ou num guião de um qualquer filme é perfeitamente banal e entendido como expressão artística, mas quando acontece o mesmo ao premir um simples botão, os programadores da Rockstar passam a ser os representantes do Demo na terra e símbolo máximo de tudo o que está mal no mundo.

Uff, sinto-me como um advogado de Phoenix Wright…

Este é acima de tudo um problema social e não um atentado á saúde pública dos jovens. As pessoas tendem a temer o que desconhecem, e este é mais um caso que o confirma. Aliás, associar a palavra problema a esta discussão, é sobrevalorizar a mesma, já que as entidades reguladoras tiveram a sensibilidade consensual em catalogar GTA IV como um título destinado a jogadores com mais de dezoito anos. Presumo então que estamos na presença de uma não-polémica alimentanda por advogados do Diabo sem qualquer conhecimento de causa.

Quanto a mim, defensor empírico de Grand Theft Auto como uma forma de entretenimento e expressão artística, apenas condeno a Rockstar e a Take-Two por provocarem claramente algumas das críticas a que são sujeitos. Entendo que a implementação da habilidade de conduzir alcoolizado pode beneficiar e provocar um aumento na taxa de diversão por minuto pela qual a companhia é reconhecida, mas foi uma manobra de mercado algo deselegante e descarada. Certamente, mais alguns milhões de cópias vendidas…

Caro leitor, assumo que por esta altura já terá a sua cópia de GTA IV a fazer par com a sua Playstation 3 ou Xbox 360. Se é pai ou mãe de um rebelde que vos roga pragas por ter acesso vetado ao jogo, ou duvida que o disco seja aquele presente de aniversário ideal, talvez fosse melhor confirmar que conhece a personalidade do destinatário. A interpretação de qualquer acto de violência física ou verbal num videojogo é invariavelmente muito pessoal, mas apelando á minha costela hippie que grita: os videjogos são arte, prefiro recomendar a transmissão dessa mesma ideologia aos demais jogadores.

A minha ligação com a Sega é quase umbilical. Lembro-me de confirmar escudo a escudo o valor certo da minha Master System Compact III, máquina quase arqueológica para muitos dos leitores, antes de levar a caixa para casa. Foi a primeira consola que comprei, e ainda a guardo religiosamente, juntamente com os jogos.

O sentimento que tive ao carregar no Power pela primeira vez e ver os sprites de Sonic the Hedgehog a correr na minha TV anciã, é perfeitamente indescritível em palavras. Ver pela primeira vez uma acção de um personagem ser causa directa do primir de um botão, principalmente sem quaisquer noções básicas de videojogos, é uma experiência que marca, indubitavelmente, a vida de qualquer jogador que se preze.

Ainda hoje não sei porque comprei uma Master System ao invés de uma NES. Talvez o total desconhecimento do catálogo e ofertas da consola da Nintendo me tenha tornado num grande fã da Sega, por pura ignorância.

É-me muito difícil categorizar a inércia da Sega perante o cada vez maior domínio da Nintendo no mercado japonês e norte-americano, no que ás 8 bits diz respeito, não só pela óbvia questão emocional, mas também pela distância á qual forçosamente tenho de analisar o situação. Contudo, parece-me que o problema da companhia de então, é exactamente o mesmo da software-house de hoje, um problema estrutural e ideológico perante a sua propriedade intelectual.

Mas a queda da Sega começou exactamente aí, na era das 8 e 16 bits. Desde o inicio que a companhia correu atrás da Nintendo, que geriu o fenómeno NES de maneira inteligente, tanto ao nível do software desenvolvido para a máquina, como no forte conceito de marketing e público-alvo que manteve até mais tarde.

Mais de vinte anos depois, é fácil carregar a arma da ironia e crítica voraz, e disparar em todas as direcções. Mas não. Prefiro tentar entender o inexplicável; o que levou a Sega de segunda maior potência na indústria dos videojogos no fim dos anos 80, até uma se tornar numa developer decadente e mercenária, que assenta bases em franchises mortos-vivos e acordos com companhias de segundo plano para sobreviver?

Grande parte dos jogadores desconhece que a Sega, agora uma multinacional nipónica, tem raízes nos EUA. É verdade, após a Segunda Guerra Mundial, os norte-americanos James Humpbert, Irvin Bromberg e Martin Bromely criaram a Standard Games, com o objectivo principal de distribuir máquinas arcade primárias para bases militares do país. O resto é história.

Com o perigo de cair num pretensiosismo acidental, pergunto-me se estas origens norte-americanas não estarão espelhadas no tratamento que a Sega tem dado aos seus principais franchises. Consideremos a evolução de Sonic. Mascote, símbolo da empresa que ainda hoje tem poder e influência na industria, padrinho de um dos principais estúdios e responsável por grande parte dos semi-êxitos da Sega nos últimos anos, a Sonic Team.

No princípio, Sonic era um ouriço assexuado cujo único propósito era ser mais veloz que Mario. Só isto. A Sega despiu (literalmente) o bicho de qualquer personalidade ou história mais complexa, sacrificando tudo por um estilo arrojado para o seu tempo. O conceito era aliás bem simples, tínhamos de completar diversos níveis no bom estilo side-scrolling, vencendo o nosso arqui-inimigo, Dr. Eggman, o número de vezes suficientes para completarmos o jogo. Tudo isto, claro, movendo Sonic a uma velocidade inimaginável em 1991 para jogadores japoneses, e principalmente para o público ocidental, ainda relativamente conservador e adverso a tudo o que não era publicado pela Nintendo.

A resposta dos consumidores foi tão positiva que Sonic foi elevado ao estatuto de ícone da cultura pop, expandido o seu universo a cartoons, brinquedos, roupas… enfim, todo e qualquer merchandise com que a Sega pudesse lucrar mais uns milhões de Ienes. Com o sucesso, apareceram as inevitáveis sequelas e ports que, sendo na sua maioria títulos de indiscutível qualidade, não tiveram o proveito comercial esperado, parcialmente pela fraca competitividade (mais uma vez) com as apostas na Mega Drive, Sega CD e Saturn. Mas o pior de tudo, foi o assumir de um caminho que hoje tomamos como errado, prepotente e quase ofensivo para os fãs da verdadeira Sega.

Em 2008, já pouco ou nada resta daquela magia apelativa de Sonic The Hedgehog, pelo contrário, somos constantemente insultados com jogos perfeitamente inacreditáveis que a equipa do outrora visionário autor de Nights e mentor da Sonic Team, Yuji Naka, faz questão de continuar a despejar. Desde o lançamento da aniversariante Dreamcast, que a Sega começou a descaracterizar Sonic de uma forma absolutamente descarada. Foi a partir do lançamento de Sonic Adventure que o roedor e restante elenco se transformaram em estrelas pop. Desde esse momento, a Sega começou a cavar a sua própria sepultura ao tentar apelar ao público adolescente, impingindo um aspecto, personalidade e voz (!) que pelos vistos consideravam cool.

A gigante japonesa parecia voltar ás suas raízes americanas, mas para seu prejuízo. Se há uma razão para o sucesso da série Super Mario, da Nintendo, ao longo de mais de vinte anos é o equilíbrio perfeito e saudável entre jogabilidade e personalidade clássica, e uma constante inovação ao longo das várias gerações e novos desafios na indústria. A Sega perdeu claramente muito de que foi, não por se ter tornado exclusivamente numa software-house, mas ao não ter conseguido levar os seus franchises a novos voos, remetendo os mesmos a sequelas que não são mais que sombras do passado.

Ao escrever estas linhas, consigo olhar directamente para a minha colecção de jogos Dreamcast. Cada título traz melhores memórias que o anterior, cada disco causou uma revolução na forma como interpreto videojogos. Talvez o mais significativo e simbólico da era Dreamcast seja Soul Calibur. A Namco foi uma das primeiras companhias a prestar séria atenção ao projecto Katana da Sega, que prometia disponibilizar capacidades técnicas, gráficas e sonoras, capazes de deixar os principais programadores das grandes companhias com água na boca. O resultado foi a sequela do aclamado Soul Edge, originalmente na Playstation, que viria a provar estar muito á frente do seu tempo. Soul Calibur não foi o renascimento do seu género, nem sequer tentou ser o Street Fighter II dos jogos de luta 3D. O grande feito do jogo, foi ter solidificado o ramo dos slash’em’up e ter ascendido os parâmetros no que á qualidade gráfica diz respeito. Aliás, o título da Namco foi um verdadeiro vendedor de consolas e confirmou a premissa da Sega, numa altura em que a companhia ainda tentava convencer o público do músculo gráfico da sua Dreamcast. 

O catálogo da consola ficou bem representado em qualidade e variedade ao longo do seu curto circulo de vida, contudo, além do supra citado Soul Calibur, a 128 bits da Sega notabilizou-se por ser pioneira em ofertas para o online. O verdadeiro começo dos MMORPG no reino das consolas aconteceu em 2000, com um dos meus jogos favoritos desde que me reconheço como jogador, Phantasy Star Online.

Tentei contar as horas que passei nos servidores da Dreamarena a jogar PSO, mas perdi-me entre o ressuscitar do meu velho personagem e o perceber que tinha perdido a minha hunters licence, que permitia o registo para entrar no Universo online do jogo.

De qualquer forma, PSO foi o primeiro título em que o slogan da Sega, up to a billion players, começou a fazer sentido de maneira palpável e não só como uma estampa megalómana que a companhia nipónica começou a desenvolver. A escala e proporção do jogo eram inimagináveis quando comparadas ao padrão da época (relembro que os consumidores mundiais ainda estavam na ressaca da geração 32/64 bits), combinando na perfeição um dotado e talentoso estilo artístico, marca de água da Sonic Team até então, com um motor e design de níveis equilibrado em desafio, originalidade e diversão. A jogabilidade em tempo real, os mapas futuristas e a imersão no mundo em rede, fizeram sobressair a minha imaturidade e deram relevo á minha acne da época.

Troquei muitas horas estudo pelo vício incontornável e assumido que tinha por PSO. Há 7 anos, era eu jovem e tinha sonhos, não conseguia balancear bem as responsabilidades dos tempos de escola com a paixão pelos videojogos, e admito que fui relativamente prejudicado por isso. Conclusão, acuso veementemente a Sonic Team de me ter sugerido uma vida académica trágica na altura! Mas valeu tudo a pena. Dias e dias a esquartejar monstros, a coleccionar items raros e preciosos, a subir de nível á minha personagem e respectivo mag, a experimentar um conceito de jogo multijogador que tomava como abstracto. Ainda hoje sou fã incondicional de RPGs de qualidade, mas afirmo com a maior convicção que nenhum me marcou tanto ou moldou como jogador, como Phantasy Star Online. Muitos dos amigos virtuais de então repetiam frases de ordem, alguns com ironia outros não, como “a Dreamcast é PSO” ou “Dreamarena é vida”. Naquele contexto, quase vestia o fato-macaco de apaixonado e tinha de concordar.

A magnífica pioneira dos 128 bits redefiniu metas para a indústria com jogos como o mítico Shenmue, Power Stone, Jet Set Radio, Skies of Arcadia, entre muitos outros. Infelizmente, a Sega nunca conseguiu lidar com o factor Playstation 2. A Sony soube impor-se muito bem desde cedo como número um do ranking de fabricantes, propondo um combo muito apelativo e economicamente agradável com a PS2, leia-se leitor de DVD + consola próxima geração + suporte 3rd parties incondicional. Sem conseguir um ritmo de vendas minimamente suportável, e vendo que o espaço para competir no mercado se fechava cada vez mais com o anuncio de um novo produto chamado Xbox, da novata Microsoft, a Sega acabou por partir o coração a milhões de devotos por todo o mundo, anunciando a reforma a nível de hardware, tornando-se uma software-house em exclusividade. A partir desse momento, todos os projectos relativamente ambiciosos ainda em desenvolvimento para a Dreamcast, moveram-se de malas e bagagens para outras plataformas de desenvolvimento acabando de uma vez por todas com a esperança dos fiéis donos de uma DC.

A primeira vez que peguei na caixa de Sonic Advance para o Game Boy… Advance, senti um arrepio pela espinha abaixo, como se tivesse ouvido a pior piada de mau gosto de sempre, ou me dissessem que o meu melhor amigo desde a infância se tinha mudado para o Pólo Norte. Simplesmente não fazia sentido. Mas por mais estranho que possa parecer, continuei um adepto fervoroso e entusiasta da Sega, tendo adquirido quase todos os títulos de qualidade para Xbox, GameCube e PS2. Destaco sequelas ou remakes de enorme relevo no mapa da indústria desde o início da década, como o brilhante e emocional Panzer Dragoon Orta, o melhorado Skies Of Arcadia Legends ou o visceral suga-moedas Virtua Fighter 4/Evolution, tão bem adaptado á Playstation 2.

Mais triste é lembrar o lançamento de títulos perfeitamente ridículos e decepcionantes como Shadow the Hedgehog e Streets of Rage: Beatdown, que mais uma vez descaracterizam e desvalorizam séries que foram o ganha-pão dos executivos da Sega durante largos anos. É também o realizar de um declínio acentuado da companhia desde a morte precoce da Dreamcast, e o prospecto de um futuro incerto com um grande ponto de interrogação no domínio do desenvolvimento de hardware.

Mesmo tendo a sensação de estar a jogar com aquelas imitações baratas de consolas que encontramos em lojas de conveniência espalhadas pelo país, encaro os produtos da Sega com o respeito que devoção que merecem. Prova disso é que continuo a manter o disco de Virtua Fighter 5 recluso na minha Xbox 360. É o assumir de um estilo muito arcade e aditivo que se espalhou entre a comunidade de jogadores durante mais de uma década, ironicamente explorado numa geração cada vez mais sedentária e comodista na forma como encara os videojogos.

O futuro da Sega é, em 2008, uma incógnita. Ver uma gigante do passado a flutuar no mercado á pesca de oportunidades fáceis de lucro, muitas vezes com jogos de qualidade extremamente duvidosa, é como se de uma facada nas costas se tratasse para quem aceitou, experimentou e viveu os sonhos vendidos pela Sega. Só posso acreditar que quem assina os contratos na empresa, não justifique o meu pessimismo e possa surpreender-nos no futuro próximo.

Até lá, vou limpando o pó ao á minha Dreamcast, com lágrimas de saudade e esperança…